Коллаж в современной культуре рассматривается не только как узкий прием, но и как самостоятельный феномен. С точки зрения комбинирования визуальной информации он может служить выразительным средством в живописи и дизайне, средством коммуникации.

Еще в Древнем Китае были распространены композиции из цветной бумаги и сухих листьев и цветов. Техника приклеивания кусочков бумаги зародилась в Японии в Х в. и разошлась по многим странам мира.

В живописи коллаж имеет длительную историю: начиная со средневековых фресок и икон, в которых посредством врезок и клейм соединены разно-пространственные и разновременные фрагменты. В них неоднородность изображения позволяла усилить информативность религиозной живописи, показать соединение разных «миров». В эпоху Возрождения, когда утверждалась теория иллюзорного пространства как окна в реальный мир, коллаж исчезает.

Далее отчетливое проявление он получает в нестабильные периоды мировой истории. Например, аллегорическое совмещение персонажей реальных и вымышленных можно найти в революционных произведениях рубежа XVIII—XIX вв. Гойи, Делакруа, Домье и др. Начиная с импрессионистов многие художники используют определенную специфику создания живописного произведения: работают с цветом, структурой, фактурой как отдельными составляющими, вследствие чего появляется возможность создать на их основе различные комбинации. Можно считать своего рода коллажами кубистиче- ские композиции, в которых предметное окружение человека расщеплено на составные части и соединено в новые соотношения. Черты коллажности прослеживаются в произведениях немецких экспрессионистов и некоторых мастеров российского авангарда — Филонова, Шагала и др. [56]. Их произведения ярко демонстрируют возможности коллажной поэтики.

Термин «коллаж» (от франц. «coller» — наклеивать) был введен «отцами кубизма» Ж. Браком и П. Пикассо в начале XX в., когда этот композиционный прием стал самостоятельной частью современного искусства.

Наиболее яркими представителями нового направления явились П. Пикассо (1881—1973), Ж. Брак (1882—1963) и Х. Грис (1887—1927). В своих экспериментах они намечают переход от принципа деления целого на части (анализа) к комбинированию частей в целое (синтезу). Принцип, развитый ху- дожниками-кубистами, делает возможным не только создание вариантов в пределах единого направления, но и эволюционное развитие самих направлений. В своем творчестве художники используют кусочки плоских материалов (бумагу, ткань и масло), передавая чистый, локальный цвет объекта, сначала через имитацию текстур и цвета материала, а затем — за счет применения в работах действительных материалов, таких как дерево, камень или обои.

В методике каждого из этих трех художников присутствуют характерные особенности. Пикассо создает формальную композицию на основе натюрморта, добавляя фрагменты различных типов фактур для обогащения, объединения и уравновешивания (рис. 61). Брак, продолжая метод Пикассо, в свою очередь, начал использовать песок, деревянную стружку и веревки, что позволило создавать эффект глубины за счет рельефа поверхности. Если в серии Пикассо видны отличия и повторения от работы к работе, то практически все работы Брака 1912 г. построены по одному принципу: линейная структура составляет первый «слой» композиции, на который накладываются фрагменты материалов различных фактур, добавляющих цвет, пластику и объем (рис. 62). Можно сказать, что серия коллажей Пикассо представляет собой эволюцию определенного авторского метода, а работы Брака являются количественной серией, т. е. набором вариантов на основе одного принципа. В работах Брака и Пикассо коллаж не только становится инструментом для создания кубистических композиций, но и основой для развития нового подхода к изображению в живописи. Грис же основывает свои композиции на ритмическом использовании формы и цвета: основой является сетка композиционных осей, разделяющих объект на фрагменты, трансформируемые и повторно объединяемые в композиции (рис. 63).



Наряду с тенденцией к фрагментации и комбинированию в искусстве первой трети ХХ в. намечается тенденция перехода от «предметного» к «абстрактному» изображению. Несколько художников и поэтов этого периода, организовавших движение под названием «Дада», создавали предметы искусства на основе коллажных конструкций из «выброшенного барахла». Фактор случайности стал одним из творческих методов.

Ориентируясь на концепцию дадаистов, московский художник К. Малевич в 1915 г. создает серию работ, которые определяются как алогичная живопись. В отличие от предыдущих художников, он намеренно создает серии- циклы, в каждом из которых экспериментирует с определенным аспектом живописной композиции (формой, структурой и цветом), оттачивая и совершенствуя новый метод. В алогичной живописи автор использует принцип совмещения несовместимого, т. е. наложение разнородных систем, подчеркивая тем самым контраст между абстрактной геометрической структурой и реальным объектом (вещью). Подобный подход также способствует выделению структуры работы и выявлению так называемого чистого элемента формы — плоскости. При этом сам художник считал: чтобы все было точным и совершенным, надо не один раз возвращаться и перепроверять себя. Возможно, именно поэтому Малевич объединяет свои работы в циклы (крестьянский цикл, кубофутуристический цикл, алогичная живопись и, в конечном итоге, супрематизм); при этом внутри каждого цикла развивается определенное направление, а общая последовательность демонстрирует постепенный переход к абстракции (рис. 64).


Параллельным направлением в коллажной живописи занимался немецкий художник К. Швиттерс (1887—1948). В 1919 г. он начал делать коллажи по общему принципу и с общим названием «Merz». Фрагменты вещей, которые уже были использованы, и другие остатки человеческой повседневности художник собирает в единое целое. Важен тот факт, что не только все коллажи Швиттерса объединены общим названием, но и само название является ключом к прочтению работы: изобретенное Швиттерсом сочетание звуков «merz» — это осциллирующий смысловой коллаж из фрагментов немецких слов «коммерция», «боль», «сердце» (kommerz, schmerz, herz). К этому стилю он относил практически любое произведение искусства. «Merz» так же, как и циклы Малевича, стал примером преднамеренного создания серии, в которой автор разрабатывает определенную концепцию, используя метод создания абстрактной композиции. «Merz» отличался от кубистской практики прежде всего тем, что, в отличие от Брака, Пикассо и Гриса, использовавших в своих композициях фрагменты из материалов предметной среды для обогащения изобразительного содержания, Швиттерс начинает с подбора фрагментов, а затем объединяет и уравновешивает композицию за счет краски. Также следует отметить, что «Merz» — это пример, в котором серийность одновременно является инструментом и общей концепцией (рис. 65).


Необходимо упомянуть и отмеченное в 1920-х гг. бурное развитие фотомонтажа. Его родоначальником в СССР является А. М. Родченко; западные представители этого направления — Д. Хартфилд, Р. Хаусманн, М. Эрнст, Л. Мохой-Надь.

А. М. Родченко (1891—1956) определял суть фотомонтажа как «комбинацию фотографий вместо комбинации и композиции художественных элементов», как конвейерную сборку [57]. Фотомонтаж стал одним из важнейших художественных средств периода полиграфического конструктивизма Родченко. Шедевром мастера может быть признано издание поэмы В. Маяковского «Про это», оформленное фотомонтажами (рис. 66). Тогда же началось сотрудничество художника и поэта в области советской рекламы (плакаты, вывески, упаковка, значки, марки и т. д.). Стиль конструктивистского оформления Родченко наложил отпечаток на всю предметно-бытовую среду 1920-х гг.


Венгерский художник Л. Мохой-Надь (1895—1946) начал создавать свои «фотограммы» (изображения, созданные без использования камеры путем экспонирования объектов, лежащих на светочувствительной бумаге) уже в начале 1920-х гг. Мохой-Надь любил часто «фотограммировать» своих друзей, жену Люсию и себя (рис. 67, 68). Для него фотограмма была частью воззрений, связанных с его концепцией «нового видения». Выбирая наиболее подходящее название для своего изобретения, он писал: «Я думаю, что фотограмма лучше, чем „шадография“, потому что я пытаюсь использовать не только тени прозрачных и полупрозрачных объектов, но собственно сами световые эффекты». С приходом Мохой-Надя в Баухауз фотограмма вошла в обязательную часть образовательного процесса. В 1941 г. Мохой-Надь, Г. Кепес и Н. Лернер организовали передвижную выставку под названием «Как сделать фотограмму», состоящую из работ студентов. Традицию преподавания фотограммы Мохой-Надь перенес в основанный им после Второй мировой войны Институт дизайна в Чикаго, где со временем сформировался круг авторов, работающих в этой технике [58].

В условиях авангардного бума 1960—70-х гг. сохранила свою значимость и окрепла позиция содержательно-смыслового наполнения коллажной техники. Причиной стало противостояние крайним экспериментальным начинаниям искусства, а кроме того, кардинальные обновления, проходившие в эти десятилетия [56].


Образец коллажной композиции — картина итальянского художника Р. Гуттузо (1911—1987) «Новости», созданная в 1974 г. Она представляет собой монтаж газетных текстов и фотографий. Их череда построена как «модуляция» от хороших новостей к плохим и воплощает подавляющий поток информации, что особенно актуально в век ее нарастания.

Техника коллажа в живописи продолжает развиваться и во второй половине ХХ в. Создание коллажей из журнальных вырезок и других фрагментов печатной продукции, активно используемое в 60—70-х гг. ХХ в., продолжило развитие и в настоящее время. Маджид Фарахани (р. 1969), художник из Ирана, создает своеобразные таблицы-матрицы, каждая ячейка которых заполняется изображением популярной личности из журнальных вырезок. В коллажах Фарахани уже не уделяется внимание композиции, структуре, цвету или фактуре: это не эксперимент и не поиск метода, это массовый продукт, составленный из массы элементов — изображений популярных персон. Серия в данном случае — сама композиция, поскольку она составлена из изображений, подбираемых по определенным критериям в одну группу. В то же время каждый новый коллаж становится частью общей авторской серии, объединенной общим методом (рис. 69, 70).

Другой современный художник, американец Сесил Тоучон (р. 1956), создает коллажи, используя принцип фрагментации изображения и повторного объединения его в композицию. Отличием же является тот факт, что автор создает первоисточник, который разделяет на части, создавая таким образом набор элементов для дальнейших комбинаций из них: исходное изображение — фрагмент текста на разнофактурной цветной бумаге — разделяется на фрагменты разного размера и формата, затем они заново соединяются в границах прямоугольника. Подобный метод дает возможность создания бесконечного числа вариантов и комбинаций на основе различных первоисточников, материалов и способов компоновки.


Искусство Тоучона — наиболее яркий образец коллажа на современном этапе. Получающиеся изобразительные комбинации в конечном счете становятся собственным бесконечным искусством Тоучона вне контекста, вне хронологии и вне обычных границ. Его творчество — это пример использования серийности как метода и стратегии. Принцип повторения и отличия является ключом не только создания одной композиции, но и множества вариантов на ее основе (рис. 71).


Следует отметить, что с изменением эпох и развитием науки и технологии меняется не только инструментарий в технике коллажа, но и сам подход к изображению. С момента изобретения компьютера активно развивается цифровое искусство, вследствие чего в киберпространстве появляется и новый тип коллажа. В качестве примера можно привести «Gridcosm» — совместный художественный проект, состоящий из бесконечного числа уровней, каждый из которых представляет собой матрицу — девять квадратных окон, упорядоченных в сетку (из трех строк и трех столбцов), куда помещаются работы участников. Первоначально задается центр матрицы, затем художники добавляют изображения вокруг в определенной последовательности до образования полного квадрата из трех столбцов и трех строк. После того как сетка полностью заполняется, скомплектованный уровень сжимается и становится «ядром». Этот процесс создает постоянно расширяющийся «тоннель» изображений, самый новый уровень которого является прямым результатом предыдущего уровня и т. д. Эта «гиперразмерность» состоит в том, что каждый предыдущий уровень является частью и ядром для следующих, а число этих уровней не ограничено. Это цифровой интернет-коллаж, визуально соединяющий независимые части. Если разложить уровни в линейную последовательность, можно проследить последовательный переход одной стилистики в другую. При этом все изображения, независимо от того, повторяют они друг друга или нет, уже изначально входят в серию (рис. 72).


В истории искусства XX в. коллаж занимает особое место. Он принадлежит к тем феноменам, которые, оставаясь на периферии, тем не менее участвовали в формировании основных тенденций культуры. Именно с коллажем в культуре XX в. оказались связаны поистине революционные преобразования [59].

Феномен коллажа представляет калейдоскопическую картину постоянных взаимодействий, отражений, в нем господствует множественность, каждый его фрагмент подвижен и открыт для взаимодействия [60]. Неслучайно всплеск коллажных работ приходится на переломные эпохи: революции (не только социальные) 1910—1920-х гг., молодежные бунты 1960-х гг. и российская перестройка 1990-х гг.

Культура периодов нестабильности характеризуется неуверенностью в истинности имеющейся совокупности знаний, раздробленностью картины мира, на основе которой выстраивается система эстетической или «стилистической» обработки реальности [61]. Принципиальное обновление отношения к реальности, а также соотнесения реальности с текстом как способом ее конструирования произошло в культуре постмодернизма [56].

На примере работ художников различных направлений и эпох можно выявить эволюцию коллажной техники. Понятие коллажа подразумевает совмещение, наложение, соединение, что является общим во всех эпохах; отличием же являются способы, инструментарий и идеология. Художники первой трети XX в. совмещают абстрактную композицию с фактурными элементами, которые играют дополнительную роль, экспериментируют с фотографией. С того момента, когда одним из средств создания коллажа становится Интернет и цифровые технологии, он приобретает еще большую мобильность. Коллаж является наиболее действенным методом для развития с его помощью комбинаторного подхода в искусстве. Более того, за счет развития и усложнения методов наложения и совмещения расширяются границы использования серийности.

Искусство коллажа универсально, а его возможности безграничны. Без него не обходится работа театральных художников, модельеров, декораторов, архитекторов. В последнее время цифровая печать коллажей большого размера благодаря очень простой реализации является наиболее актуальной идеей архитектурно-художественного оформления интерьеров [62].

Исторически сам коллаж был тесно связан с рекламой, визуальной средой современного города, где скорость движения и смены зрительных образов создают в пространстве повседневности неожиданные коллажные сочетания. Реклама конца XIX — начала ХХ вв. часто использовала фотомонтаж. Это могла быть как коллажная техника, так и образы, аналогичные коллажным. Само возникновение коллажа во многом связано с появлением и широким распространением рекламы, которая изменила облик городского пространства, внедрилась в повседневную жизнь и стала постоянным сопровождением ежедневных зрительных впечатлений.

И реклама, и коллаж связаны с формированием особого типа жизненного пространства, складывающегося в городских мегаполисах уже во второй половине XIX в. и существенно меняющего и психологию, и менталитет их жителей.

Реклама и сама массовая культура работают на уровне бессознательного, т. е. на уровне слияния реальности и сновидений, мечтаний, что всегда присутствовало в коллаже. Возникновение самой коллажной техники во многом и было спровоцировано стремлением увидеть, выявить этот странный мир, уловить ритмику психики современного человека, погруженного в жизнь огромного города.

Таким образом, в искусстве обнаруживается подчиненность техники задачам коммуникации, которые ставит общество, что находит прямое выражение как в произведениях современного дизайна, рекламной продукции, так и в произведениях изобразительного искусства. Коллаж как раз обнажает манипулятивную, искусственную природу взгляда, господствующего в пространстве новой культуры [56].

Возникновение коллажа в России и за рубежом как одного из наиболее действенных методов обучения и творчества в XX в. было закономерным. Обращение к коллажу при работе со вторичным материалом, с образами массовой культуры указывает на способность к «коллажному» видению, свидетельствует о бессознательной памяти о родственных коллажу типах изображений. Как произведение визуального искусства, он изначально создавался из комбинации различных форм и образов.

Коллаж и сегодня является экспериментальным, творческим методом работы профессиональных художников и дизайнеров в живописи, графике, декоративном и театрально-декорационном искусстве, в дизайне интерьера и одежды. Сегодня термин «коллаж» принимается как условный, лишенный своего единственного прочтения, включающий в себя все возможные варианты работы с плоскостью и на плоскости, позволяющие выйти за ее пределы в пространство к объекту. Коллаж может быть классифицирован по материалам, техникам, композициям и приемам выполнения художественного произведения. Мобильность и технологическая легкость создания коллажей- эскизов позволяет использовать коллаж как метод быстрого эскизирования в обучении студентов [63].